Maria (Helga Guren) se corrige de manière manifeste aux oreillers du canapé du salon. Son mari Sigmund (Oddgeir Thune) a récemment quitté la pièce après un bruit explosif. Elle se penche contre le dossier les pieds le long, attendant qu'il revienne. Le langage corporel indique que ce n'est pas la première fois qu'elle l'attend après une querelle. Car "Sweetheart" est un drame qui n'a pas peur des moments inconfortables: les mots bruts qui aiment les coups comme un coup de poing dans la poitrine et que One perd votre souffle ou vos blessures après le manque d'un "je t'aime" - les petits gestes chuchotant qu'une séparation est proche.
Avec "Sweetheart", la réalisatrice et scénariste Lilja Ingolfsdottir montre qu'elle maîtrise l'art du drame et le long métrage norvégien peut être rarement à côté des œuvres telles que "Mariage Story", "Take This Waltz" ou "Before Midnight", qui explore également une relation à long terme. L'accent mis par le film sur la conversation: que ce soit entre Mary et sa mère, Maria et Sigmund, Maria et sa fille ou Mary et la meilleure amie est une représentation en profondeur des nombreuses phases de la pause: la dette, la recherche de la vérité et l'auto-examen.
Dans le contexte d'une métropole sombre enneigée et hivernale en Norvège, Maria est confrontée à la prise de conscience qu'elle pourrait avoir été impliquée dans le résultat. Au moins un peu - un "petit" qui se révèle être dans la relation complexe avec la mère, avec les enfants et un divorce précédent. Mais surtout dans le manque d'amour pour lui-même.
Lilja Ingolfsdottir a soigneusement considéré chaque mot et l'acteur Helga Guren offre tout, de l'agressivité passive à la haine explosive et à l'inconfort à la proximité surprenante (étreinte d'un ami) et en même temps le désespoir après la même chose pour les enfants, avec Bravur. En plus de la bande sonore très clairsemée, où la plupart des scènes sont laissées au silence, l'accent est déplacé vers la langue. L'absence de cordes de maintien et de coups d'amour-Branch signifie que le film ne devient jamais exagéré ou extrêmement sentimental.
Des détails comme les couleurs contrastées du couple sur les courtepointes et la façon dont les ensembles de cheveux de Maria changent le long des tempêtes émotionnelles (ainsi qu'une bague d'ambiance), soulève le tout. Mais certains clichés ont encore des difficultés avec le film avec lesquelles les scènes classiques de brosse à dents et de lave-vaisselle (si vous vous brossez les dents, vous savez que la phase d'amour est terminée). Ou tous les moments où Mary se considère dans le miroir comme un symbole de la façon dont nous nous réfléchissons les uns dans les autres, mais comment nous devrions vraiment nous regarder vers l'intérieur.
La notion utopique du drame de la façon dont une relation de couple peut être modifiée par l'auto-help / enquête est perçue comme quelque chose de naïf. Une idée qui est certainement ancrée dans la communauté de la thérapie d'aujourd'hui, mais qui frappe à devenir un bâton de contact. J'aimerais abandonner la leçon que pour oser obtenir, vous devez également oser donner. Et que le film ait plutôt osé adopter l'idée que les relations ne seront jamais parfaites ou égales, peu importe le nombre d'heures de thérapie que nous investissons dans les recherches sur nous-mêmes.
En tant que drame relationnel contemporain, le film est encore beaucoup plus stable que le mariage des personnages principaux. La photo coule sans sommeil avec les réflexions de Mary et aucune scène, ni conversation, semble superflue. L'ensemble montre un grand savoir-faire et une liberté artistique. Lilja Ingolfsdottir impressionne par les compétences de son écrivain et le sentiment du doigt fin de son écrivain en réalisant et sera un nom que je recherche à l'avenir.
